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Taller de Músicos ESEM celebra una nueva edición de la SuperWeek, cuatro días con 26 masterclasses programadas. Para ello, contaremos con profesionales de primer orden y se abordarán temas tan diversos como la producción de eventos musicales o el pensamiento creativo en la música.
Todas las actividades serán presenciales con limitaciones de aforo. Las plazas disponibles se otorgarán por orden de inscripción y serán gratuitas para alumnado y profesorado del Taller de Músics y participantes del Cabal Musical. También para el alumnado de Mayeusis Conservatorio Das Artes y ESMUC. Los exalumnos del Taller de Músics ESEM y quienes dispongan del carné de Bibliotecas de Barcelona disponen de un 50% de descuento. Para el resto de asistentes, cada evento tiene un precio de 20€.
Paralelamente, se programarán otras actividades como por ejemplo jam sessions o conciertos.
10:00 – 12:00 | SALVADOR TOSCANO
10:00 – 12:00 | KATA (LIVE NATION)
11:00 – 13:00 | ANNA CESTER
12:00 – 15:00 | TÀLVEG
12:00 – 14:00 | EULÀLIA CASSO
16:00 – 19:00 | MARIANO FERRARI
16:00 – 18:00 | CAROLINA LE PORT
Martes 22 | 10:00 – 12:00 | ESEM Sala Omega-Morente
Salvador Toscano presentará en esta masterclass un lenguaje que se compone de más de 120 señas con las cuales un director comunica a los músicos ritmo, dinámicas, cambios de compás, etc., para coordinar el flujo de la improvisación grupal, convirtiendo así la suma de las ideas individuales en una verdadera composición colectiva en tiempo real. El director regula y organiza las energías propuestas por los artistas estimulando el trabajo en equipo y la escucha colectiva en favor de la creación, con la improvisación y creatividad como eje troncal.
Este lenguaje constituye una valiosísima herramienta tanto artística como pedagógica. A través de su utilización se practican habilidades como la escucha externa e interna, la actitud proactiva, la comprensión de los roles dentro del grupo, la coordinación, la creatividad, la valoración de la diversidad, el aprovechamiento de los errores y las capacidades de liderazgo grupal y personal.
Dirigida a músicos de cualquier nivel e instrumento.
Salvador Toscano, músico y coach, cursó la carrera de Performance en Batería del Sindicato Argentino de Músicos y en la Escuela de Música Popular de Avellaneda. Se formó en el lenguaje del Ritmo y Percusión con Señas en el CERPS con Santiago Vázquez (creador).
Ejerce la docencia particular e institucional desde 1996. Se caracteriza por su versatilidad y amplio desarrollo en diferentes estilos desde jazz y world music hasta rock/funk. Es también cofundador del grupo de percusión con señas LaKolmena y cocreador del Manual de Ritmos Afroamericano para Batería junto al maestro Aldo Caviglia.
Martes 22 | 10:00 – 12:00 | ESEM Aula 4
Esta masterclass se centrará en todo lo referente a la producción de conciertos en directo, desde producciones de pequeño formato hasta macrofestivales. Se hablará tanto de los detalles técnicos como de la gestión del presupuesto, pasando por todo aquello que permite que un show pueda llevarse a término.
Dirigida a cualquier persona interesada en la producción de eventos.
Kata lleva más de 40 años en el negocio de la música en vivo. Empezó montando escenarios y ahora es el Director de Producción de Live Nation España, una de las promotoras de conciertos más importantes del país.
Su primer evento como profesional fue un concierto de The Rolling Stones en 1982. A día de hoy, ha trabajado en 24 giras de la banda británica. También ha participado en todos los tours en nuestro país de Bob Dylan, Ramones, The Police, Sting, Elton John, AC/DC, Queen, Supertramp, Eric Clapton, Muse, Depeche Mode o The Cure, entre otros, además de encargarse de la producción de grandes festivales y/o eventos, como el Xacobeo de Galicia desde 1993.
Martes 22 | 11:00 – 13:00 | ESEM Aula 3
La gran mayoría de músicos se forman y ejercen ignorando los requerimientos físicos y psíquicos que implica su profesión. Dentro de estos requerimientos, la nutrición juega un papel muy importante y es una herramienta indispensable para poder lograr los objetivos.
En esta masterclass, Anna Cester ofrecerá material docente e iconográfico para ampliar conocimientos y conceptos en relación a cómo debe ser la nutrición saludable del músico, aquella que le permita prevenir lesiones y obtener un mayor rendimiento.
Dirigida a profesorado de música y músicos en general.
Anna Cester es Licenciada en Medicina y Cirugía, Máster en Nutrición y Salud, y titulada Superior de Música en la especialidad de piano. Así mismo, en el año 2002 obtiene el Posgrado en Medicina de las Artes Escénicas en la Universidad Autónoma de Barcelona.
Ha participado en jornadas dirigidas al campo de las artes como la 1a Jornada de prevención de riesgos laborales en las artes escénicas (Barcelona) o el Curso anual de técnica e interpretación pianística (Valencia), entre otras. También es autora del libro El miedo escénico (Ed. Robinbook, 2013).
Actualmente, ejerce la docencia como profesora de piano en la Escuela y Conservatorio Profesional de Música de Tarragona en el cual también imparte la asignatura de Educación Corporal, y se dedica a la investigación en el campo de la Medicina de las Artes. También forma parte de la junta directiva de la Asociación Multidisciplinar para las Artes Escénicas (asociacionampae.org) y del Centro de Prevención en Artes Escénicas de Barcelona (www.cpae.net), colaborando en diversas actividades. Además, imparte conferencias sobre ansiedad escénica, nutrición y rendimiento, técnicas de estudio, conciencia postural y prevención de lesiones músculo-esqueléticas en músicos.
Martes 22 | 12:00 – 15:00 | ESEM Sala Omega-Morente
Tàlveg, uno de los tríos de avant-garde más activos de la escena catalana, funciona como un grupo colaborativo, en el que sus tres integrantes se reparten las tareas y plantean nuevas estrategias para llevar su música a audiencias más numerosas.
En esta masterclass se presentará su manera de trabajar, desde la gestión independiente del proyecto hasta el proceso de creación musical. Se tratarán temas de promoción y gestión de un grupo: booking, distribución digital de contenidos a través de Bandcamp, estrategias para hacer crecer la base de seguidores, la importancia del contenido visual (logo y diseño) o recursos de merchandising. También se hablará de la elaboración y uso de materiales musicales para la improvisación, de la idea de pieza como composición instantánea y de objetivos y recursos a la hora de improvisar desde la libertad creativa.
Dirigida a músicos que quieran saber más sobre la música de avant-garde o personas interesadas en la gestión de un trío desde la libertad creativa.
Tàlveg es un trío colaborativo nacido en Barcelona en 2018 y formado por Marcel·lí Bayer (saxo barítono), Ferran Fages (guitarra eléctrica) y Oriol Roca (batería).
Su música se estructura en forma de oratorio: despliega su narrativa a partir de las posibilidades combinatorias que permite el formato. Tanto en los directos como en las grabaciones, el sonido de Tàlveg se construye por medio del encadenamiento de solos, dúos y tríos.
Tàlveg construye su discurso a partir de la creación y destrucción de muros de contención: atmósferas tensas y paisajes indómitos para encontrar la luz en la oscuridad. Una música incompleta que deja espacio a la imaginación.
En directo, Tàlveg ha tocado en diferentes festivales de jazz de Cataluña (Vic, La Garriga, etc.), salas (Pumarejo, Heliogàbal), showcases (Jazz I Am) así como en el ciclo Sampler Series de L’Auditori de Barcelona.
Su discografía consta de tres EP’s, Ses-Sens (Autoedición, 2020), Sens-Ses (Autoedición, 2021) y Live Series I (Autoedición, 2021), y dos LP’s, Arbori (Autoedición, 2020) i As it Fades (Autoedición, 2021), disponibles únicamente en su perfil de Bandcamp.
Martes 22 | 12:00 – 14:00 | ESEM Aula 4
En esta masterclass se mostrará la visión willemsciana de la pedagogía musical, una puerta abierta a la práctica musical viva, activa, profundamente humana y social. El objetivo es que la música esté al alcance de todo el mundo ya que se basa en el desarrollo del instinto rítmico, de la capacidad auditiva sensorial, afectiva y mental y de la participación activa e inventiva.
Dirigida a profesores de escuelas de música, tanto de lenguaje como de instrumento, a profesores de educación infantil y primaria y a músicos interesados en la pedagogía musical.
Creadora y directora de Musicant, Escuela de Educación Musical de Barcelona, se diplomó en la pedagogia Willems en 1990 en Lyon y tuvo como profesores a Jacques Chapuis y Béatrice Westphal. Desde 2007 es profesora de didáctica de los cursos de Formación Willems gestionados por la Fédération International Willems.
Su formación parte de la vivencia de la música a través de la canción dentro de la familia y de su experiencia como miembro de la coral El Virolet, después de la Coral Sinera y de la Coral Cantiga (de Lluïsos de Gràcia), que la lleva al estudio de la música en la especialidad de voz y de dirección de coral infantil.
Desde la obtención del Diploma Pedagógico Willems, se ha dedicado a profundizar sobre las bases del ideal willemsciano a través de la aplicación cotidiana de sus principios a niños, adolescentes, jóvenes, adultos y, desde hace unos años, a personas con capacidades intelectuales especiales.
Actualmente, es la responsable de los cursos de Formación del Diploma Pedagógico Willems en Barcelona i vicepresidenta de la Fédération Internationale Willems.
Martes 22 | 16:00 – 19:00 | ESEM Sala Omega-Morente
Mariano Ferrari propone un abordaje de la música folclórica argentina a través del análisis de las estructuras rítmicas, armónicas, melódicas y formales típicas de algunos de sus géneros más representativos. El parentesco polirrítmico y la repetición de una forma fija que da cuentas de la funcionalidad ligada a la danza de muchas de estas músicas, son algunos de los ítems que nos permitirán acercarnos a una variedad de géneros. Ferrari se centrará en dos de ellos: la zamba y la chacarera.
A través de la escucha, la exposición y la práctica en conjunto, en esta masterclass se trabajarán herramientas para la composición, la escritura de arreglos y la interpretación, con un especial énfasis en aquellos recursos que trascienden a estos géneros en particular y resultan aplicables a cualquier tipo de música.
Dirigida a músicos en general.
Mariano Ferrari es músico, docente e investigador argentino. Es licenciado en Música con Orientación a la Música Popular en la Universidad Nacional de La Plata (Argentina). Como bajista, contrabajista y guitarrista, ha formado parte de diversos grupos vinculados al folclore argentino y latinoamericano, al jazz y al rock. Con ellos, ha grabado más de una veintena de discos y ha realizado giras en diferentes lugares de Latinoamérica.
Ha compartido escenario y grabaciones con músicos como Kotringo, Nadia Larcher, Ernesto Snajer, Verónica Condomí o Mariano Cantero.
Actualmente, ejerce como profesor ayudante diplomado de la Cátedra de Música y Medios en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata. También forma parte del Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano, es estudiante del Máster de Música como Arte Interdisciplinario de la Universidad de Barcelona y trabaja como músico de sesión y compositor.
Martes 22 | 16:00 – 18:00 | ESEM Aula 4
¿Cómo han logrado y logran otros artistas vivir de su talento? ¿Qué puedo aprender de los aciertos y errores de otros compañeros de profesión?
En esta masterclass se aprenderá cuáles son las herramientas básicas para profesionalizar y monetizar tu talento. Se hará a través de ejemplos de otros compañeros de profesión que han sabido conjugar su parte artística con la necesidad de integrarse en el ecosistema musical.
Dirigida a cualquier músico que busque profesionalizar su proyecto artístico.
Carolina Le Port es diseñadora de proyectos culturales para instituciones públicas y privadas, proponiendo la actividad a desarrollar para mejorar el índice de reputación de éstas y siempre en estrecha vinculación con los distintos retos del sector de la cultura: diversidad, género, divulgación…
Ha trabajado con Matadero (Las Naves del Español), DAMA, SGAE, Taller de Músics ESEM, Ciutat Flamenco, entre otros.
También es asesora de proyectos y carreras de artistas independientes y emergentes en etapas distintas con el objetivo principal de profesionalizar los proyectos culturales. Tras más de una década haciéndolo, ha desarrollado una técnica de trabajo basada en los principios de psicoanálisis junguiano que permite, a través de los mapas mentales, detectar cuáles son los temas principales sobre los que un artista está trabajando. Esto permite ordenar y clarificar sus ideas para plasmarlo en un dossier y ser capaces de mejorar su comunicación con los distintos agentes que intervienen en el desarrollo de una carrera profesional: producción, distribución, instituciones públicas, prensa… Esta formación la ha impartido en la Universidad de Málaga, en CTXT, en el Centro Federico García-Lorca y 200 artistas y creadores han asistido a estas sesiones: Vinila, Los Aurora, Melodie Gimard, Akeré, Marian Barahona, Lorena Oliva, Ramón Bassal o Marta Grau son algunos ejemplos.
10:00 – 12:00 | ALBERT BOVER
10:30 – 13:30 | SAÚL CABRERA
11:00 – 14:00 | ANA VELÁZQUEZ
12:00 – 15:00 | GUY MINTUS + TAL GAMLIELI TRIO: FOCUS ISRAEL
16:00 – 19:00 | CAROLA ORTIZ
16:30 – 18:30 | JAUME GISPERT
Miércoles 23 | 10:00 – 12:00 | ESEM Sala Omega-Morente
En este mundo globalizado cuesta cada vez más tener un sonido propio, un sello, ser original, y con buen sonido, ritmo y conocimiento del lenguaje del jazz.
En esta masterclass se escuchará a los pianistas tocar solos, en dueto o a trío, y se les darán consejos para mejorar todos estos aspectos esenciales.
Dirigida a pianistas de todos los niveles y estilos. Se recomienda venir con la sección que se toca habitualmente: dúo con otro instrumentista o cantante, trío con bajo y batería, etc.
Albert Bover comenzó a estudiar piano clásico y a los 16 años se inició en la modalidad de Piano Jazz en el Aula de Música Moderna de Barcelona. Posteriormente, en Nueva York, estudió con Fred Hersch, Kenny Barron, Barry Harris, Sal Mosca y Jackie Byard. Más recientemente, amplió sus estudios de clásico con Sophia Rosoff, y de jazz con Fred Hersch y Ethan Iverson, también en Nueva York.
Ha tocado con músicos de todo el mundo, entre los cuales destacan Jorge Rossy, Al Foster, Art Farmer, Harold Land, Kenny Wheeler, Mark Turner, Seamus Blake, Eddie Henderson, Rick Margitza, Sonny Fortune o Jesse Davis. Ha colaborado en proyectos con músicos de flamenco como Miguel Poveda y Chicuelo, y de música andalusí como Dris elMaloumi. Ha participado en casi todos los festivales de jazz del país y ha actuado por Europa, Estados Unidos, Sudamérica, Marruecos y Japón.
Actualmente, toca a trío con Masa Kamaguchi al contrabajo y con David Xirgu a la batería. También tiene un dúo con Horacio Fumero y otro con Marco Mezquida. Además, forma parte del grupo de flamenco-jazz Oleandole.
Ha grabado como líder Live in Bilbao (Moskito Records, 2012), Esmuc Blues (Fresh Sound Records, 2001) i Live in Jamboree (Mas i Mas Records, 1998), los tres en formato trío al lado de Jorge Rossy, Masa Kamaguchi y Chris Higgins. A dúo ha grabado con Horacio Fumero y con Marco Mezquida, y a piano solo el disco Old bottle, new wine (Satchmo Records, 1999). También tiene varias grabaciones como sideman. Es también compositor e intérprete de la banda sonora de las películas Tren de sombras y De una isla, de José Luís Guerín.
En el ámbito de la docencia, es profesor de piano del Área de Jazz de la ESMUC.
Miércoles 23 | 10:30 – 13:30 | ESEM Aula 3
La preponderancia del formato digital en todas las áreas de la industria musical es una realidad ineludible. El artista independiente no escapa a esta situación pese a que, en muchos casos, es el que menos información tiene al respecto.
En esta masterclass se darán las claves básicas para entender el entorno digital de DSPs y aprovechar al máximo sus oportunidades.
Dirigida a artistas musicales independientes.
Saúl Cabrera es consultor y formador de estrategia empresarial especializado en internacionalización y desarrollo de negocio. Ha dedicado gran parte de su vida profesional a la coordinación de proyectos I+D e internacionalización para entidades públicas nacionales y europeas, así como para organizaciones privadas.
Es director de EmuBands para España y Latinoamérica, lleva una década en la industria musical coordinando el desarrollo de mercado de esta agregadora digital, partner preferred de Spotify. También es formador habitual sobre lógica de consumo y digitalización musical.
Miércoles 23 | 11:00 – 14:00 | ESEM Aula 4
¿Con qué dudas van los músicos a una consulta de fisioterapia? En esta masterclass se recogen los errores y aciertos más comunes que Ana Velázquez se ha encontrado en sus quince años de trabajo diario con instrumentistas. A través de casos clínicos verídicos, se explicará cómo se puede mejorar el trabajo físico, mental y musical con el objetivo de optimizar el entrenamiento a partir del autoconocimiento.
Dirigida a profesorado de música y a cualquier persona relacionada con la práctica musical.
Ana Velázquez Colominas es directora del CPAE (Centro de Prevención de Artes Escénicas de Barcelona). Es fisioterapeuta especializada en el tratamiento y la formación de artes escénicas. También es Master en Inteligencia emocional y Master en Posturología clínica. Es autora de dos libros: Cómo vivir sin dolor si eres músico (Ma non troppo, 2013) y El artista sin dolor (Ma non troppo, 2020), además de coautora del libro El miedo escénico (Ma non troppo, 2013).
Miércoles 23 | 12:00 – 15:00 | ESEM Sala Omega-Morente
Esta sesión consistirá en una breve introducción, impartida por el bajista Tal Gamlieli, sobre la historia del jazz en Israel y cómo se ha convertido en una de las escenas más importantes de este género.
Después, se llevarán a cabo dos masterclasses:
El pianista Guy Mintus compartirá ideas y experiencias de su bagaje musical y vital, y tocará junto a los asistentes para aplicar algunos de los conceptos discutidos.
Seguidamente, Tal Gamlieli y su formación de trío explicarán diferentes técnicas para que los músicos se conecten con el momento y trasciendan la personalidad individual y grupal en tiempo real. Se hablará sobre cómo crear una buena atmósfera y cómo mantenerla durante toda una actuación, cómo mantener el groove y llevar el tempo.
Dirigida tanto a músicos como a amantes de la música y curiosos. No requiere preparación previa.
El pianista, compositor, vocalista y educador israelí Guy Mintus se siente igual de cómodo compartiendo escenario con leyendas del jazz, componiendo para orquestas clásicas, colaborando con maestros de la música tradicional, trabajando con niños o actuando como solista con la banda de ska-punk Streetlight Manifesto. Con ésta última actuó en el Beacon Theatre con las entradas agotadas.
Proveniente de una herencia mixta de judíos iraquíes, marroquíes y polacos, su música es un punto de encuentro entre diferentes corrientes que fluyen entre sí. Mintus es un concertista de piano con la energía de una estrella de rock y el sentido de aventura de un músico de jazz que no tiene miedo de mezclar sus escalas y ritmos nativos de Oriente Medio.
Su palmarés incluye el “Leonard Bernstein Award” de ASCAP y la Bernstein Family Foundation y el “Prix du Public” en la categoría de piano solo del Festival de Jazz de Montreux.
Su disco de debut, A Home in Between (Autoedición, 2017), ha sido seleccionado como Editor’s Pick de la revista DownBeat, mientras que su segundo trabajo, Connecting the Dots (ENJA Records, 2019) se ha presentado en escenarios de EEUU, Canadá, Francia, Suiza, Alemania, Israel, Turquía y Kazajistán, incluido un concierto de lanzamiento en Nueva York que fue recomendado por el prestigioso The New York Times.
Su último disco, A Gershwin Playground, se publicó en 2020 con el prestigioso sello ENJA Records (Chet Baker, Charles Mingus, McCoy Tyner, entre otros). El álbum ofrece una versión fresca, moderna y muy personal de la música de Gershwin y está recibiendo el apoyo internacional tanto de la crítica como del público.
Guy ha compuesto e interpretado obras para la Orquesta de Cámara de Israel, la Orquesta de Compositores Estadounidenses, la Orquesta Sinfónica de Jerusalén, la Filarmónica de Baviera y para Miracle of Miracles, un nuevo documental sobre El violinista en el tejado, del director de HBO Max Lewkowicz.
Tal Gamlieli es bajista de jazz en activo desde 2007. Desde que completó sus estudios de master en el New England Conservatory de Boston, ha colaborado con numerosos músicos reconocidos de todo el mundo, como el trompetista Avishai Cohen, los pianistas Joanne Brackeen y Danilo Perez, el saxofonista Jerry Bergonzi y la cantante Lizz Wright.
A lo largo de la última década ha actuado como líder en prestigiosos escenarios y grandes eventos internacionales como Love Supreme Jazz Festival (Reino Unido), Small’s Jazz Club (Nueva York), Jazz Dock (Praga), Pizza Express (Londres, Reino Unido), ORF Radio Café (Viena), Smithsonian Institution (Washington DC) y Kimmel Center (Filadelfia), entre otros.
Ha sido galardonado con el premio Downbeat Magazine en la categoría de interpretación destacada.
Desde 2014, Tal lidera su propio trío, que hizo su primera aparición internacional en el Festival de Jazz de Panamá en enero de 2016 y, desde entonces, ha girado por todo el mundo.
Su álbum de debut Dania (Autoeditado, 2017) fue muy bien recibido. Dos años más tarde, junto a la aclamada saxofonista norteamericana Dayna Stephens, publicó Change of Heart (Jazztribes, 2019).
Miércoles 23 | 16:00 – 19:00 | ESEM Sala Omega-Morente
Esta masterclass es una pequeña ventana introductoria a las músicas de raíz de la Península Ibérica. Se enseñarán los patrones rítmicos básicos de ajechao, sorteao, charrada, charro y munheira. Se trabajará con un pequeño ensemble de las percusiones tradicionales usadas en estos géneros como: almirez, pandereta, vieira, botella de anís y el instrumento estrella de la península, el pandero cuadrado.
Dirigida a cantantes, percusionistas y a todos aquellos músicos que quieran enriquecer su sentido rítmico y experimentar una conexión con las raíces del folklore peninsular.
Carola Ortiz es una investigadora musical, clarinetista, cantante, percusionista, compositora, productora y docente. Estudió clarinete clásico en el Conservatorio y empezó tocando jazz de adolescente con su padre, también músico. También es graduada en Interpretación: Jazz y Música Moderna en la ESMUC.
Ha tocado con músicos de renombre internacional y vivió unos meses en Nueva York, pasando, también, estancias largas en Brasil, Berlín, Grecia, Turquía e India. Participó como cantante en el grupo Coetus (orquesta de percusión ibérica) donde tuvo la suerte de cantar al lado de Eliseo Parra.
Carola tiene tres discos propios, como compositora y productora. El último, Pecata Beata (Microscopi, 2021), que bebe del folklore mediterráneo con toques de jazz y contemporánea, ha ganado el premio a mejor álbum de canción por la revista Núvol y ha sido aclamado por la prensa nacional e internacional (quedó número 10 en la lista European World Music Charts en junio de 2021).
Miércoles 23 | 16:30 – 18:30 | ESEM Aula 4
En esta masterclass, Jaume Gispert dará herramientas para poder divertirse con el juego colectivo en un escenario cuando no se es el solista. Se hablará de voicings, líneas melódicas y ritmo, pero, sobre todo, de lo que se hace cuando es otro el que lleva el peso de la conversación (solo).
Dirigida a músicos de cualquier instrumento, tanto armónicos como melódicos, y a todos aquellos que quieran profundizar en la relación que se establece entre músicos que comparten escenario.
Jaume Gispert se inicia con el piano y el violín a los 4 años. Consigue el Grado Medio de los dos instrumentos en el Conservatorio de Girona y allí empieza a estudiar Jazz y Música Moderna, donde obtiene los grados de Especialista en Interpretación y Composición (INCANOP). En 1999 se traslada a Ámsterdam para estudiar en el conservatorio de esta ciudad, donde se licencia y cursa el posgrado en la especialidad de Piano-Jazz.
En la vertiente interpretativa, ha grabado diferentes discos entre los que destacan Lift Off (Vamos Music, 2004), Back on Track (Nomada 57, 2009) o Easy Times (Nomada 57, 2011). Además, ha tocado con músicos como Tobias Klein, Bernt Nellen, François Chanut, Damien Cluzel, Charlie Green, Phil Dizack, Oz Landesberg i Janne Halonen, Vincent Mascart, André Bonnin, Christophe Fournier o Frederic Leger.
Ha girado por países como Holanda, Francia, Estados Unidos y también por todo el territorio español. Ha acompañado a la cantante senegalesa N’déye Fatou Tine ‘Titi’ en su última gira por Cataluña y fue uno de los pianistas escogidos para participar en el homenaje a Tete Montoliu que clausuró el 39º Voll-Damm Barcelona Jazz Festival.
Como docente, ha impartido clases en el Taller de Músics ESEM como profesor de piano y combo. También ha trabajado en Jam Session, en la Escuela de Música Moderna de Girona, en el Aula Musical de Girona o en la Escuela Rita Ferrer de Palafurgell, impartiendo piano clásico y moderno, improvisación, lenguaje, armonía y violín.
10:00 – 12:00 | ANTONIO LIZANA
10:00 – 12:30 | ELOI ISERN
10:00 – 14:00 | ALFONSO BORRAGÁN
12:00 – 14:00 | MACIEJ FORTUNA
12:30 – 14:30 | MARIA MAURI Y MAGALÍ SARE
16:00 – 19:00 | JAVI GARRABELLA
16:30 – 18:30 | PAT CARRASCO
Jueves 24 | 10:00 – 12:00 | ESEM Sala Omega-Morente
En esta masterclass, Antonio Lizana expondrá los puntos en común que tienen el jazz y el flamenco y se usará la improvisación como nexo de unión entre ambos.
Dirigida a toda persona con nociones de lenguaje musical y con interés por profundizar en ambos estilos.
Antonio Lizana es uno de los representantes más célebres del nuevo flamenco jazz procedente del sur de España. Saxofonista de jazz, cantante de flamenco y compositor de toda su música, ha realizado numerosos conciertos con su banda por más de 30 países, participando en festivales como Womex, Etnosur, diferentes festivales de flamenco de Nueva York, Londres y San Francisco, Barcelona Voll Damn Jazz Festival, Shanghai Jazz Festival, Casablanca Jazz Festival y Flamenco Biennale (Países Bajos).
Ha editado cuatro trabajos discográficos y ha sido uno de los pocos artistas españoles que han grabado un concierto American NPR Tiny Desk.
A lo largo de su carrera, ha colaborado con artistas como Arturo O’Farrill y Alejandro Sanz en obras que recibieron premios Grammy; también ha trabajado con Snarky Puppy, Marcus Miller, Chano Domínguez, Alfredo Rodríguez, Ari Hoenig, Jorge Drexler, India Martínez, Jorge Pardo, Shai Maestro, Chambao, José Mercé, Josemi Carmona, Carmen Linares, Pepe Habichuela, entre otros.
Jueves 24 | 10:00 – 12:30 | ESEM Aula 4
El Live Coding es una modalidad artística y una técnica creativa y de producción musical. En esta masterclass, el músico Eloi Isern explicará qué es exactamente el Live Coding y mostrará ejemplos de softwares y sus aplicaciones en el mundo real. También se abordará el lenguaje Tidal Cycles. La sesión acabará con una jam-concierto final.
Dirigida a compositores, músicos interesados en la improvisación y/o en la producción musical y amantes de la electrónica y/o del free jazz.
Eloi Isern es compositor, guitarrista y live coder. Es graduado superior en composición por el Taller de Músics ESEM en 2017. Ganó las Becas AIE de Ampliación de Estudios Musicales los cursos 2014-2015 y 2016-2017. Ha estudiado guitarra flamenca de concierto en el Conservatorio del Liceu con el maestro Manuel Granados. Ha participado en numerosos seminarios internacionales de Guitar Craft a cargo del guitarrista de King Crimson, Robert Fripp. También ha asistido a varios cursos sobre programas de edición y producción musical como Sibelius, Finale, Ableton Live, SuperCollider o Tidal Cycles.
Entre sus trabajos destacan los Comentaris Polifònics, piezas que forman parte de su trabajo de final de grado y que giran alrededor de la sincronía entre la música y las imágenes. En 2018 se inicia en el uso del programa de síntesis sonora a través de código de programación SuperCollider. Gracias a esta inmersión queda cautivado por el Live Coding y toda la cultura y el pensamiento que giran alrededor de esta disciplina y el código abierto. Se especializa en el programa Tidal Cycles y participa en varias algoraves durante el año 2020 y 2021, destacando los festivales Ars Electrónica o el Viu. Desde entonces forma parte del colectivo de live coders TopLap, con residencia en el Hangar de Barcelona. Forma un dúo de live coding y spoken word con el filósofo Eloy Fernández Porta, con quien ha actuado en el Espacio Telefónica de Madrid, así como en otros espacios de la ciudad de Barcelona.
Ha realizado el diseño sonoro de la instalación Inner Light, expuesta en el recinto modernista del Hospital de Sant Pau, dedicada al trabajo artístico con enfermos en cuidados paliativos.
Es creador del proyecto Eloi el Bon Noi con el que grabó el disco Adolescència: No superada (Autoedició, 2013). El proyecto fue programado en festivales como Els Vespres de la UB o el FIM Vila-seca. Ha compuesto y producido la música para la campaña “Contra el maltrato, buen trato” del Ayuntamiento de Barcelona. Ha colaborado con varias empresas dedicadas al sector de la publicidad, como Vibranding o Fósforo, creando músicas para audiovisuales.
Además, es compositor de la música del cortometraje documental Can Gardell, realizado por Sílvia Subirós y Flor Aliberti. También es compositor de la música para el largometraje documental La cuina dels homes de la directora Sílvia Subirós, y es compositor y productor de la música del cortometraje Exilios de Joan Àlvarez, que fue finalista de la XIII edición del Notodo Filmfest. Ha estado trabajando como compositor de la compañía TransformArte, dedicada a divulgar el francés en las escuelas mediante el teatro.
Jueves 24 | 10:00 – 14:00 | ESEM Aula 3
En esta masterclass, Alfonso Borragán enseñará una técnica para hidratarse las cuerdas vocales respirando humedad. Esta medida, de eficacia inmediata, la deberían conocer todos los usuarios de la voz, ya que conlleva una mayor elasticidad del sistema y genera una voz más resonante y energética.
Dirigida a profesorado de música y usuarios de la voz, ya sean profesionales o no: cantantes, actores y hablantes en general.
Alfonso Borragán es licenciado en Medicina por la Universidad de Cantabria, médico especialista en foniatría por la Universidad de Padua y doctor en Medicina por la Universidad de Cantabria. Tiene experiencia en patologías de la voz desde 1982.
Es director del Centro de Foniatría y Logopedia de Santander y del Aula de Oratoria de la Universidad de Cantabria. Además, es miembro numerario de la Academia de Ciencias Médicas de Cantabria.
También es colaborador científico de la revista italiana Acta Phoniatrica Latina y tiene más de 70 trabajos científicos publicados en revistas nacionales y extranjeras, más de 100 comunicaciones científicas en congresos nacionales y extranjeros, asistencia a múltiples congresos, 10 publicaciones de libros, 6 publicaciones de artículos periodísticos, más de 150 cursos impartidos sobre la voz, la palabra, el lenguaje y la audición, alrededor de 250 conferencias y diversas estancias en centros extranjeros, además de ser miembro de diversas sociedades foniátricas y logopédicas nacionales e internacionales.
También es socio fundador del grupo CELF (Cirugía Fibroendoscópica Laríngea), junto con el Dr. Díaz Gómez (ORL) y el Dr. González-Riancho (ORL), y miembro del Consejo Asesor de la Pan-European Voice Conference y del COMET (Collegium Medicorum Theatri).
En el ámbito docente, es profesor colaborador de la Universidad de Cantabria. Como investigador, participa en el grupo Isla de Mouro, también de la Universidad de Cantabria.
Jueves 24 | 12:00 – 14:00 | ESEM Sala Omega-Morente
Las notas de paso son un elemento integral del lenguaje de la improvisación del músico de jazz contemporáneo. Son una parte fundamental de la construcción del estilo individual y su uso afecta a la precisión de la actuación. En esta masterclass se hablará de estas notas, pero también de las estructuras de las notas de aproximación y de las notas adyacentes.
La parte teórica se apoyará en ejemplos prácticos, que se desarrollarán con escalas modales.
Los asistentes podrán traer sus instrumentos para poder practicar los ejercicios.
Dirigida a músicos de todas las especialidades.
Maciej Fortuna es músico compositor, trompetista e improvisador.
Aunque practica muchos géneros musicales, nunca se ha cerrado en exclusiva a ninguno de ellos. Trabaja como solista, pero también como componente de las bandas de música imprviasada más importantes de Polonia: Maciej Fortuna Trio (con varios álbums publicados: Solar Ring, Sahjia, At Home, Jazz), el galardonado Maciej Fortuna Quartet o el dúo Fortuna/Dys, con quien tiene dos álbumes publicados: Tropy (FM, 2013) y Maciejewski Variations (DUX, 2014).
También tiene algún proyecto donde combina el jazz con la música electrónica, tanto en solitario como a dúo con An On Bast. Su proyecto eslavo, basado en la colección Kolberg tuvo un éxito excepcional. Ha actuado en numerosos festivales en el extranjero, entre ellos el Festival Internacional de Jazz de Jarasum, Jazzaldia y el Fringe Festival.
En 2017 reactivó la orquesta Poznań Fifteen y, un año después, dirigió el estreno de su composición para 100 trompetas e instrumentos de percusión. A partir de 2019, el Poznań Komeda Marathon se lleva a cabo bajo su dirección artística y, también en 2019, Jerzy Milian le dedicó su última composición. En 2021 compuso la música y la letra del concierto multimedia «Constitution 1791» y también creó el proyecto de etno-jazz «Música sobre madera, cuero, cuerno y latón». Además, relanzó Maciej Fortuna Trio, con el que grabó el disco Báltic. Por iniciativa suya, desde 2021 se lleva a cabo el concurso Big Trumpet, donde se premia al trompetista más ruidoso, en referencia a la disciplina que formaba parte de los antiguos Juegos Olímpicos.
Como curiosidad, en 2016 tocó en el primer concierto de jazz celebrado dentro de un volcán.
Maciej Fortuna ha construido su propio lenguaje musical y amplía la paleta sonora de su instrumento experimentando con la combinación de diferentes géneros artísticos. Es profesor de trompeta de jazz en la Academia de Música de Poznán, con un posdoctorado. Dirige su propia editorial de música, Fortuna Music, y participa activamente en la Asociación Jazz Poznań.
Jueves 24 | 12:30 – 14:30 | ESEM Aula 4
Maria Mauri i Magalí Sare ofrecerán una masterclass dedicada al Lied que incluye: introducción y contextualización del género lied y un pequeño recital de las dos profesoras.
Se escuchará, analizará e interpretará piezas de autores como Franz Schubert, Richard Strauss o Frederic Mompou. Se hablará sobre la música de cámara, el diálogo musical y la escucha activa que se genera entre pianista y cantante, y se hará una aproximación al género a través de la poesía y de los idiomas que más lo representen, como el alemán o el francés.
Dirigida a músicos especializados en canto y piano, pero también a cualquier instrumentista o persona interesada en autores del romanticismo, en su legado y en lo que se puede aprender haciendo música ‘de cámara’.
Maria Mauri Fàbregas se licencia en piano clásico y contemporáneo en la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC), donde estudió piano solista con el profesor Vladislav Bronevetzky y lied con Francisco Poyato. Más adelante cursa, en la misma escuela, una segunda titulación en Dirección coral y orquestal. También cursa un máster en la especialidad de Piano colaborativo en la Guildhall School of Music and Drama de Londres. Además, ha recibido clases magistrales de los pianistas Paul Badura-Skoda, Boris Bermann, Nelly Ben-Or, Luiz de Moura Castro, Jacques Rouvier; y de los directores Julia Jones, Benjamin Zander y Rut Schereider, entre otros.
Ha sido becada por la excelencia musical por parte de Fundación Victoria de Los Ángeles, Fundación Anna Riera y Guildhall Scholarship Awards. Ha participado en la grabación del disco Pau&Victòria (Columna Música, 2013) con piezas inéditas de Pau Casals y últimamente ha sido invitada como pianista del Coro Joven Nacional de Cataluña.
Paralelamente a la actividad como pianista, ejerce también de directora y cantante. Es directora titular de los coros de cámara NOCTES y ARSinNOVA, y cantante solista del espectáculo poético-musical El nus la flor de Daniel Ariño y Enric Casasses.
Actualmente, se dedica principalmente al acompañamiento del repertorio vocal y coral, y ha tocado en más de cincuenta conciertos de lied, ópera y música de cámara, actuando en salas como L’Auditori, el Gran Teatre del Liceu o el Palau de la Música. También ha hecho conciertos en Francia y Reino Unido.
Magalí Sare es cantante multiinstrumentista nacida en una familia de músicos.
Obtuvo el grado profesional de flauta y canto lírico en el Conservatorio de Sabadell, obteniendo el Premio de Honor al finalizar los estudios. Complementó estos estudios con 6 años de percusión clásica y moderna y lecciones de piano jazz. Cursó dos años el grado superior de flauta clásica. En 2017 se graduó en el Conservatori del Liceu en la especialidad de canto jazz obteniendo el premio extraordinario del Departamento de Jazz.
Después de estar mucho de tiempo con un pie en la música clásica y otro en la moderna, hace el salto definitivo hacia el jazz cuando empieza a componer sus propias canciones durante la carrera, las cuales culminan en su primer disco como cantautora Cançons d’amor i dimonis (Autoedición, 2018). En 2020 saca dos discos a dúo: A boy & a girl (Segell Microscopi, 2020) con el guitarrista Sebastià Gris, proyecto con el cual ganan el primer Premio de Jazz de Juventudes Musicales de España y el primer Premio de Música en Lenguas Minoritarias SUNS Europe celebrado en Udine, Italia; y Fang i Núvols (Segell Microscopi, 2020), con el contrabajista Manel Fortià. En abril de 2022 lanzará su segundo disco como cantautora.
También la podemos oír poniendo voz en el disco de Clara Peya Estómac (Satélite K, 2018) y como soprano del Quartet Mèlt en los discos Maletes (RGB, 2016) y Xarrampim! (RGB, 2017). Además, en 2020 puso voz al prestigioso anuncio de verano de Estrella Damm.
Jueves 24 | 16:00 – 19:00 | ESEM Sala Omega-Morente
El Konnakkol es un arte de percusión vocal con más de 5.000 años de tradición en el contexto de la música carnática, la música clásica del sur de India. Tiene dos componentes principales: el Solkattu (las sílabas, sonidos) y las matemáticas (fórmulas de números para construir estructuras complejas). En esta masterclass demostrativa y de práctica colectiva, Javi Garrabella introducirá esta maravillosa disciplina que tanto puede inspirar a la música actual.
Dirigida a músicos interesados en desarrollar el potencial del ritmo y en investigar nuevos registros de la voz relacionados con éste.
Javier Garrabella empieza a estudiar con trece años en la escuela L’Intèrpret de Lleida, donde se forma en solfeo, piano, batería, bajo y armonía con Jaume Olivé. En 2015 se licencia en el Grado Superior de Jazz y Música Moderna en Taller de Músics ESEM con Pep Cucurella y Dee Jay Foster. También estudia un año de composición con Enric Palomar. Después empieza su interés por la música india e inicia su formación en los ritmos carnáticos de la mano de Rafa Reina con dos años de formación continuada en la ESMUC, para luego continuar con el prestigioso artista de konnakkol Somashekar Jois.
Actualmente, sus proyectos activos son el grupo Los Aurora (flamenco, jazz, rock), con quien ha girado y tocado en festivales de todo el mundo; Ethic Labs (fusión vanguardista), que consiste en un noneto que combina proyecciones de mapping con música experimental y tributos a genios de la composición como Ligeti; y Max Villavecchia Trio, interacción y complicidad a través del jazz contemporáneo y el minimalismo.
Algunas grabaciones destacables como productor son el disco de Magnus Luna Clarobscur d’atzur (Taller de Músics, 2016), un homenaje a la poesía de Joan Vinyoli. También las tres últimas producciones de Enric Hernàez, Cançó per a Helena (Picap, 2014), Prop la via del tren (Picap, 2017) i Himnes (Actual Records, 2019) y su disco de música electrónica experimental Electronativa (La Cúpula Music, 2017).
Ha colaborado numerosas veces en las sesiones de free jazz/live improvisation de los locales Soda Acústic, Sinestesia y Robadors 23, tierra de cultivo de la escena de improvisación libre de Barcelona. Además, ha asistido a talleres y ha participado dos veces en la Orquesta Interactiva Mixtur.
Garrabella cuenta con un notable bagaje como músico de sesión tocando en directo y grabando con bandas de funk, soul, ska, reggae, rock, metal, pop, big bands, jazz, flamenco y world music.
Jueves 24 | 16:30 – 18:30 | ESEM Aula 4
En el siglo XXI, la marca personal es muy importante en todos los sectores, pero mucho más en los sectores creativos, y todavía toma más relevancia cuando la digitalización se ha acelerado con la pandemia.
Por ello, en esta masterclass, Pat Carrasco ofrecerá los tres aspectos claves de la creación de la marca personal: definición de tu marca personal: misión, visión, valores; tono de marca y mensaje; cómo trasladar esto a redes sociales.
Dirigida a músicos que quieren definir su marca personal, su voz y su tono para poder utilizar las redes sociales como un lugar de promoción de su trabajo.
Pat Carrasco es experta en acelerar procesos mediante marketing de nueva ola. Con más de 10 años de experiencia en este sector, dirige su propia agencia de marketing, Las Cosmonautas, estudio especializado en herramientas digitales para que proyectos talentosos y aventureros lleguen a sus objetivos.
Es profesora en diversas universidades como la Universidad de Barcelona, la Universitat Oberta de Catalunya, la Universitat Internacional de Catalunya o la Universidad de Girona.
También es experta en marketing online estratégico. Es Facebook Marketing Partner y, además, trabaja en la aceleración de procesos de marketing mediante herramientas de pago como Facebook Ads o Google Ads dentro de estrategias de crecimiento y venta.
10:00 – 12:00 | PAU GIMENO
10:30 – 13:30 | CRISTINA CANET
11:00 – 13:00 | MARTÍN LOYATO
12:30 – 14:30 | DAVID GÓMEZ
16:00 – 18:00 | PAULA DOMÍNGUEZ
16:00 – 18:00 | EUGÈNIA ARÚS
Viernes 25 | 10:00 – 12:00 | ESEM Sala Omega-Morente
Esta Masterclass presenta la técnica de los Círculos de Percusión (Drum Circles) como actividad musical educativa, terapéutica y favorecedora de la cohesión social. Mediante los instrumentos de percusión se incentiva la creatividad, se pone en práctica la improvisación a través de la experimentación. El desarrollo de la sesión es totalmente práctico.
Dirigida a educadores musicales, musicoterapeutas y dinamizadores de grupos.
Pau Gimeno es profesor de percusión por el Conservatorio de Barcelona, máster en Musicoterapia por la Universitat Ramon Llull y máster en Sociedad de la información y el conocimiento por la Universitat Oberta de Catalunya. Ahora está doctorando en la facultad de educación de la Universitat de Barcelona en el programa Educación y Sociedad con una investigación que relaciona el concepto de recuperación con la musicoterapia como recurso para personas que sufren un trastorno mental grave.
Buena parte de su carrera como instrumentista ha estado vinculada a la percusión, concretamente como batería de formaciones diversas de música pop, gospel y jazz tradicional.
Actualmente, trabaja como profesor en la Universitat de Barcelona, en la Escuela Municipal de Música de La Garriga y en varios programas de formación de musicoterapia. Como musicoterapeuta lleva a cabo sesiones en unidades psiquiátricas y de cuidados intensivos en varios hospitales catalanes.
Preside la Asociación Catalana de Musicoterapia y realiza una amplia tarea pedagógica a través de la percusión en escuelas de infantil y centros de Enseñanza Secundaria Obligatoria.
Es formador de Village Music Circles global training (villagemusiccircles.com) y Rhythm to Recovery (www.rhythm2recovery.com).
Viernes 25 | 10:30 – 13:30 | ESEM Aula 4
La ansiedad es una respuesta emocional muy habitual entre los músicos. Su forma más limitante e invalidante es la ansiedad escénica. En esta masterclass, Cristina Canet hablará de la ansiedad escénica, de sus mecanismos fisiológicos y psicológicos y de cómo afrontarla.
Dirigida a profesorado de música y músicos de cualquier nivel.
Cristina Canet estudió lenguaje musical, armonía, arreglos, piano y conjunto instrumental en el Taller de Músics con Zé Eduardo, Elena Claramunt, Riqui Sabatés y Joan Monné, entre otros. También cursó estudios de nivel medio en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona y estudios de piano en el estudio Àngel Soler y en la Academia Luthier de Barcelona. Además, estudió armonía, arreglos e instrumentación con Lluís Vergés.
Es diplomada en Nivel de Especialista de Música Moderna por el Instituto Catalán de Nuevas Profesiones (INCANOP).
También es licenciada en Psicología y máster en Psicobiología y Neurociencia Cognitiva.
Ha participado en diversos montajes musicales como compositora y se ha dedicado intensamente a la docencia de la música en diversos centros y escuelas, entre ellas el Taller de Músics.
Actualmente, compagina su trabajo como docente con el ejercicio de la psicología clínica y la psicología de las artes escénicas y de la interpretación musical.
Viernes 25 | 11:00 – 13:00 | ESEM Aula 3
La capacidad de generar ideas es fundamental para el proceso artístico y es esencial para el desarrollo y el éxito de cualquier artista. Pero, ¿cómo obtener ideas?, ¿cómo hacer evolucionar las ideas para transformarlas en obras completas?, ¿cómo plasmar esas ideas en una partitura?
En esta masterclass se explicará cómo a través de la música, la imagen y la poesía se pueden hacer germinar nuevas composiciones y se mostrarán diferentes métodos y recursos que estimulan el pensamiento divergente en los procesos compositivos para ayudar a los jóvenes artistas a generar nuevas ideas
Dirigida a compositores y músicos en general.
Martín Loyato es compositor, trompetista, improvisador, poeta, director y artista interdisciplinario. Completó sus primeros estudios en el Conservatorio Superior de Música de Buenos Aires, recibió también un Bachillerato en Bellas Artes (BFA) en Composición e Interpretación de Trompeta en el California Institute of the Arts (CalArts) y una Maestría y un Ph.D. en Composición en The State University of New York en Stony Brook.
Estudió trompeta con Arturo Sandoval, Edward Carroll, Eric Aubier, Howie Shear, Bill Bing, Jason Carder, Gabriel Archilla y Osvaldo Lacunza, y ha estudiado con compositores como Stephen Lucky Mosko, Anne Lebaron, Wadada Leo Smith, Ivo Medek, Bunita Marcus, Peter Winkler, Daria Semegen y Sheila Silver.
Su educación musical fue en la tradición clásica, pero también tiene la misma experiencia en la composición de jazz, obras experimentales, música popular y comercial. Asimismo, ha escrito música para largometrajes, televisión, documentales y anuncios.
Ha actuado con numerosas orquestas y conjuntos de todo el mundo. Como trompetista, ha sido músico de sesión de estudio en Buenos Aires, Ciudad de México, Los Ángeles, Nueva York y Beirut. También ha actuado internacionalmente como solista y en colaboración con otros músicos en lugares como Argentina, Uruguay, Miami, Denver, Las Vegas, Los Ángeles, San Francisco, Nueva York, España, Singapur, China, Italia, Países Bajos, Portugal, Líbano, Turquía y recientemente Egipto, Jordania y los Emiratos Árabes.
A lo largo de los años, Martín Loyato ha tenido el privilegio de compartir escenario con artistas tan destacados como Arturo Sandoval, Yusef Lateef, Wadada Leo Smith, Ray Anderson, Charles Davis, Poncho Sanchez y Ziad Rahbani, entre otros.
En el ámbito de la docencia, comenzó su carrera como profesor general de música y director de coros infantiles en Buenos Aires, Argentina. Como educador, formó parte del equipo de investigación de Morton Subotnick en Los Ángeles, contribuyendo al desarrollo de una serie de aplicaciones informáticas que introdujeron la música y la tecnología a niños de todas las edades. Mientras trabajaba como profesor adjunto en la Universidad del Estado de Nueva York, enseñó bajo la supervisión del reconocido trombonista de jazz Ray Anderson. Desde 2013 hasta 2021 trabajó en el Departamento de Artes de la Comunicación de la Universidad Libanesa Americana en Beirut como profesor de música, donde enseñó Tecnología Musical, Composición, Composición Musical para Medios Audiovisuales y Escénicos, Teoría, Apreciación Musical y dirigió combos de jazz, músicas del mundo y una orquesta de cámara interdisciplinaria experimental. Además, fue uno de los principales pilares para desarrollar el plan de estudios de la primera Licenciatura en Artes Escénicas, no solo en el Líbano sino también en Oriente Medio.
Viernes 25 | 12:30 – 14:30 | ESEM Sala Omega-Morente
Esta masterclass se centrará en el análisis y comprensión del ritmo. Se abordarán ideas y conceptos para su estudio y para su aplicación práctica.
Dirigida a baterías y músicos en general que deseen ampliar sus conocimientos en materia de ritmo.
En 1993 se traslada a Barcelona y se introduce en la escena local tocando jazz, blues, rock y rumba catalana.
A lo largo de su carrera, ha tocado en numerosos festivales nacionales e internacionales y ha grabado más de cuarenta cd’s con diferentes proyectos.
Ha sido miembro del grupo Triphasic junto a Llibert Fortuny y Gary Willis. También ha realizado extensas giras con artistas de pop/rock y ha tocado al lado de músicos de alto nivel como Chano Domínguez, Iñaki Salvador, Miguel Poveda, Luis Salinas, Bruce Barth, Bernardo Sassetti, Carlos Barretto, Zé Eduardo, Peter King, Chicuelo, Perico Sambeat, Soji Kojima, Duquende, Joan Vinyals, Niño Josele, Riqui Sabatés, Pat Metheny, Eric Marienthal, Janek Gwizdala, Gary Husband, Bob Reynolds y Lalo Schifri, entre otros.
Actualmente, es profesor de batería y combo en la ESMUC y en el LICEU. También forma parte del proyecto Caminos, con Chicuelo, Karen Lugo y Martín Meléndez.
Viernes 25 | 16:00 – 18:00 | ESEM Sala Omega-Morente
El objetivo principal de esta masterclass es hacer un recorrido por los recursos vocales técnicos más habituales que se emplean en el cante flamenco tradicional, que son los que conforman la identidad de su sonido, y dar a conocer de qué manera conjugarlos para fusionarlos con el lenguaje de la música moderna sin necesidad de adentrarse en el estudio del flamenco más tradicional. A través de este análisis, se comprenderá qué es lo que hace que lo flamenco suene a flamenco para después disponer de herramientas para aflamencar una melodía de otro estilo musical.
Dirigida a músicos interesados en la sonoridad flamenca dentro del ámbito de la voz.
Paula Domínguez es licenciada en el Grado Superior de Interpretación en la modalidad de Flamenco por el Taller de Músics ESEM. Ha trabajado y colaborado con artistas como Santiago Auserón, Rosalía, Hugo (OT), Cris Juanico, Maika Makovski, Frank Diago, Arcángel, Kiki Morente y Argentina, y en proyectos como la Cuban Sound Project, de Demetrio Muñiz (director musical de Buenavista Social Club), la Orquesta Sinfónica de Galicia, la Orquesta Sinfónica del Vallès y las Bandas Municipales de Barcelona y de Santiago de Compostela, entre otros. También ha actuado en festivales nacionales e internacionales con Lenacay (grupo creado por los fundadores de Ojos de Brujo) y Patáx.
Cuenta con varios discos editados con las distintas formaciones musicales de las que ha formado parte y ha aportado canciones de su autoría.
En la actualidad, graba coros en estudio para anuncios de publicidad y televisión y ha grabado voces en canciones de artistas como Rebeka Brown, Cris Juanico, Antonio José e Il divo, entre otros.
En el ámbito de la docencia, imparte clases de técnica vocal desde 2010, ha dirigido corales en distintas áreas de Barcelona y ha diseñado y lanzado tres cursos online autofinanciados y editados por ella misma.
Viernes 25 | 16:00 – 18:00 | ESEM Aula 4
El principal objetivo de esta masterclass es dar a conocer la metodología J-Dalcroze de pedagogía musical a través de una práctica reflexiva. Esta metodología se fundamenta en la práctica auditiva y rítmica a través del movimiento y en la improvisación musical. Se diseñarán secuencias donde se aprenderá a extraer contenidos de obras musicales para trabajarlos desde la interpretación en movimiento, el análisis, el conocimiento y la valoración. Se fundamentará esta metodología de forma teórica conociendo sus raíces y trasladándola al campo de la investigación y la innovación.
Dirigida a músicos estudiantes o graduados en interpretación, pedagogía y composición y a profesores de música.
Eugènia Arús es pianista y doctora en Educación Musical para la Universidad de Barcelona. También tiene el diploma superior y de licencia de enseñanza en Rítmica-Dalcroze, Solfeo e Improvisación por el Instituto Jaques-Dalcroze de Ginebra, Haute École de Musique.
En el ámbito de la docencia, es profesora de la Facultad de Educación de la Universidad de Barcelona.
Actualmente, Eugènia Arús compagina su labor como músico, participando en diferentes producciones, con la investigación y publicación de artículos y material didáctico destinado a la puesta en práctica de la educación musical en movimiento. Ha sido invitada como ponente o intérprete en países como Francia, Italia, Finlandia, EEUU, Argentina o Inglaterra. Desde el año 2005 colabora con la Fundación Barenboim-Said en el proyecto EMI. También es miembro del grupo de investigación Didáctica del Patrimonio (DIDPATRI) y colabora con el Instituto Jaques-Dalcroze en el campo de la investigación e innovación educativa para la enseñanza/aprendizaje musical.
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