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Taller de Músics ESEM celebra la tercera edición de la SuperWeek, cuatro días (no lectivos) en los que, de la mano de los mejores profesionales y en sesiones extracurriculares, se abordarán temas tan diversos como el jazz, las músicas urbanas, el flamenco, la improvisación, la composición, la voz o la producción musical.
A excepción de 2 sesiones que se realizarán online, todas las actividades serán presenciales con limitaciones de aforo. Las plazas disponibles se otorgarán por orden de inscripción y serán gratuitas para alumnos y profesores de Taller de Músics ESEM y del programa COS.
Paralelamente se programarán otras actividades, como jam sessions y ensayos abiertos en los que también podrás participar. Encontrarás más información en el siguiente enlace:
Si quieres, también puedes descargarte el programa completo:
Martes 16 | 10h a 12h | Aula Omega-Morente
Marcelo Woloski, percusionista de las bandas Snarky Puppy y Banda Magda, viene dispuesto a responder todas las preguntas que le plantee la audiencia. De esto va la sesión. Prepara con cariño tus preguntas y abre bien las orejas cuando Marcelo las responda. ¡Seguro que no te deja indiferente!
Dirigido a músicos de todos los niveles e instrumentos.
Marcelo Woloski es un percusionista, baterista y compositor Argentino, con base en Nueva York, que ha sido galardonado con un Grammy en el 2017 y un Grammy Latino en el 2014. Su amplio espectro de sonidos, versatilidad, técnica, carisma y forma tan personal de tocar y orquestar lo ha llevado a ser un músico muy valorado y demandado entre arreglistas, compositores y productores de diferentes partes del mundo.
Graduado en Berklee College of Music y residiendo en Nueva York desde el 2008, Marcelo es tan activo en la gran manzana como en el mundo, constantemente haciendo giras mundiales con diferentes artistas y grupos como Snarky Puppy, Banda Magda y el grupo de Sofía Ribeiro. Votado “mejor percusionista del año 2017” por la revista Baterística, Marcelo ha tocado y/o grabado con artistas de renombre mundial como ser Rubén Blades, Susana Baca, Marta Gómez, Laura Mvula, Lalah Hathaway, Chris Potter, The Kronos Quartet y Arturo O’Farril entre otros.
Su trabajo más reciente como compositor se puede apreciar en su álbum debut Mundo Por Conocer, en el que participan 27 músicos de 12 países diferentes (entre ellos, miembros de Snarky Puppy), así como en el último álbum de Snarky Puppy Culcha Vulcha, que incluye su composición Palermo y el cual recibió un Grammy como mejor álbum de música instrumental 2017.
Marcelo es representante de Latin Percussion, Evans, Vic Firth y Garrahand.
Martes 16 | 12.30h a 14.30h | Aula Omega-Morente
El objetivo de esta masterclass es acercarse más al artista Hosss Benítez mientras se profundiza en su trayectoria, el sonido como identidad, la conexión entre géneros musicales, la experiencia y los recursos para directos, ensayos y grabaciones. Durante la sesión compartirá con los asistentes diferentes ejercicios técnicos, músicas y todo lo que le ha ayudado a crear su sello personal.
Dirigido a estudiantes de Jazz y Música Moderna.
Es un batería nacido en Algeciras pero residente en Barcelona. Ha recibido clases de maestros como Aldo Caviglia, Juan de la Oliva, Johnny Vidacovich, Ramon Prats, Gergo Borlai o Gregory Hutchinson, entre otros.
Con Big Menu, su proyecto más personal, junto a Pedro Campos y Enric Peinado, ha recorrido gran parte del territorio español, Europa, Latinoamérica y Estados Unidos. Ha trabajado con artistas como Nathy Peluso, Rels B, Foyone, Bejo, Escandaloso Xpósito, Diego Amador, Juli Giuliani, Dano, Delaossa, Cruz Cafuné, Dani Ribba, Lou Fresco o Pedro LaDroga.
A lo largo de su trayectoria también ha compartido escenario con músicos como Perico Sambeat, Silvia Pérez Cruz, Gary Burton, Salvador Sobral, Albert Bover, David Soler, Loli Molina, Kiko Veneno, Laura Simó, Javier Ruibal, Martin Leiton, Carme Canela, Santi de la Rubia, Raúl Rodríguez, Xavi Torres, Bruno Calvo o Lluc Casares.
Actualmente trabaja con El Kanka, con quien ha grabado su último disco y ha girado por toda España y Latinoamérica desde el 2016.
Martes 16 | 15.30h a 17.30h | Aula Omega-Morente
Después de años estudiando, interpretando y enseñando música, Petros Klampanis se dio cuenta de que muchos artistas daban el ritmo por hecho. Según él, es aquí donde empieza el problema. Muchas escuelas de música no invierten suficiente tiempo o esfuerzos en profundizar en uno de los aspectos más importantes de la interpretación musical. En esta masterclass se compartirán algunos de los pensamientos de Petros Klampanis sobre el ritmo y el groove.
Dirigido a músicos de todos los niveles e instrumentos.
Nombrado “Bass Ace” por la Bass Player Magazine, el galardonado contrabajista, compositor y productor Petros Klampanis creció en Grecia entre la música folk mediterránea y la balcánica. Su enfoque es curioso, siempre buscando maneras únicas de integrar elementos de múltiples géneros, que van desde la música clásica hasta al pop. El variado viaje musical de Klampanis aporta unas melodías agresivas, una entonación preciosa y una escritura personalizada. Klampanis ha colaborado con artistas de renombre musical como Snarky Puppy, Greg Osby, Jaques Morelenbaum, Shai Maestro, Gilad Hekselman, Ari Hoenig, Jean-Michel Pilc y Antonio Sánchez.
A lo largo de su trayectoria también ha subido al escenario de locales estadounidenses tan famosos como Carnegie Hall, Lincoln Center, Blue Note Jazz Club y Kennedy Center. Además, ha tocado en el Winter Jazzfest, JazzAhead Festival, Athens Concert Hall, Thessaloniki Concert Hall, Onassis Foundation Performing Center y Niarchos Foundation Cultural Centre.
Desde el 2011 ha grabado cuatro trabajos discográficos, el tercero de los cuales, Chroma (Motéma Music, 2017), recibió el premio Independent Music Award al mejor disco en directo de 2017.
Recientemente, ha creado un nuevo proyecto a raíz de su pasión por los nuevos medios, las redes sociales y las artes visuales. A través de Rooftop stories crea vídeos musicales independientes que comparte en Youtube, una combinación de bajos solistas y elementos de la música electrónica que abarca las canciones preferidas desde los estándares de jazz hasta la música folk indie y griega. El proyecto se convirtió en un directo experimental que se presentó en el Rockwood Music Hall de Nueva York.
Martes 16 | 17h a 19h | Aula 4
¿Cómo suena el jazz? ¿Cómo se crea el sonido de conjunto? ¿Se puede hacer un trabajo semejante a la música de cámara en el contexto del Straight Ahead Jazz? ¿Cuál es el papel del ritmo y el lenguaje en el sonido? En esta masterclass se responderán todas estas preguntas y se intentará averiguar cómo conseguir un buen sonido de conjunto montando un par de temas desde cero. Además, se hablará de las claves de tocar con otras personas en una música falsamente concebida como individualista y se prestará especial atención al sonido de los instrumentos, al respeto sónico entre ellos y a los elementos del lenguaje que pueden dotar de profundidad a la música.
Dirigido a estudiantes de Jazz y Música Moderna.
Lluc Casares es un saxofonista y clarinetista barcelonés aficionado a la composición y a los arreglos para diferentes formatos instrumentales. Es graduado superior en el ESMUC (Escuela Superior de Música de Catalunya) y tiene un máster por el Conservatorium van Amsterdam, donde recibe clases de Ferdinand Povel. Recientemente, ha estudiado dos años en The Juilliard School de Nueva York, con maestros como Wynton Marsalis, Kenny Washington o Ben Wolfe, experiencia que le ha permitido ampliar sus conocimientos y vínculos con la tradición jazzística. De hecho, es la primera persona de nacionalidad española en estudiar en el prestigioso programa Artist Diploma de Juilliard.
Su último disco como líder es Sketches Overseas (Outside in Music, 2018) que se grabó en Nueva York y ganó el Premio Enderrock al Mejor disco de jazz del 2018. Además, ha grabado más de 20 discos como sideman y forma parte de los grupos Smack Dab y The Gramaphone Allstars.
Lluc Casares ha subido a escenarios de festivales como el North North Sea Jazz Festival, Montreux Jazz Festival, Marciac Jazz Festival, Jazz Middelhein, Baloise Session y el Festival de Jazz de Terrassa, entre otros. También ha tocado en clubs como Dizzy’s Club Coca Cola y Fat Cat de Nueva York, Bimhuis de Ámsterdam, Jamboree de Barcelona y Jazz at Lincoln Center de Shanghái. A lo largo de su carrera, Lluc ha tenido la oportunidad de tocar con músicos como Dr. John, Nicholas Payton, Frank Wess, Phil Woods, Lee Konitz, Jon Faddis, Jesse Davis, Arturo Sandoval, Wendell Brunious, Grant Stewart, Ben Van Gelder o Benjamin Herman, entre otros.
En 2019, con un grupo de amigos, formó The Changes, un colectivo y sello discográfico orientado a dar salida a nuevos proyectos sin las directrices y limitaciones de agentes externos.
Como docente da clases en Taller de Músics ESEM, ha formado parte del equipo docente del Conservatorio Superior de Música de las Islas Baleares y ha impartido seminarios y masterclasses en Italia y China.
Martes 16 | 18h a 20h | Aula Omega-Morente
En el marco de esta masterclass, Jaume Gispert planteará tres conceptos. El primero será la relación que se establece entre la mano derecha y la mano izquierda a la hora de tocar: voicings, texturas, armonización, etc. El segundo serán las técnicas de acompañamiento, es decir, cómo acompañarnos a nosotros mismos o a solistas y cómo trabajar con la base o con un solista. Para finalizar, repasará las herramientas que pueden ayudar a mejorar el estudio del piano, que para Gispert son: jugar, escuchar y definir.
Dirigido a pianistas, pero también a los demás músicos, puesto que se hablará mucho de la relación artística entre los instrumentistas.
Jaume Gispert es un pianista que se inicia con el piano y el violín a los 4 años. Obtiene el título de Grado Medio de los dos instrumentos en el Conservatorio de Girona y allí empieza a estudiar Jazz y Música Moderna, donde obtiene los grados de especialista en interpretación y composición (INCANOP). En el año 1999 se traslada a Ámsterdam para estudiar en el conservatorio de esta ciudad, donde se licencia y cursa el postgrado en la especialidad de Piano-Jazz.
En la vertiente interpretativa, ha grabado diferentes discos entre los que destacan Lift Off (Vamos Music, 2004), Back on Track (Nómada 57, 2009), Easy Times (Nómada 57, 2011) , 50 on a Daily Trunk Vol.1 i Vol. 2 (Nómada 57, 2013), Jazz a l’estudi amb Jaume Gispert (TVC Disc, 2011), entre otros. Además, ha tocado con músicos como Tobias Klein, Bernt Nellen, François Chanut, Damien Cluzel, Charlie Green, Phil Dizack, Oz Landesberg y Janne Halonen, Vincent Mascart, André Bonnin, Christophe Fournier o Frederic Leger.
Jaume Gispert ha girado por diversos países como Holanda, Francia, Estados Unidos y también por el territorio español. Ha acompañado a la cantante senegalesa N’déye Fatou Tine “TITI” en su última gira por Catalunya y fue uno de los pianistas escogidos para participar en el homenaje a Tete Montoliu que clausuró el 39ª Voll-Damm Barcelona Jazz Festival.
Como docente ha impartido clases en Taller de Músics ESEM como profesor de piano y combo. También ha trabajado en Jam Session, en Escola de Música Moderna de Girona, en Aula Musical de Girona o en Escola Rita Ferrer de Palafrugell impartiendo piano clásico y moderno, improvisación, lenguaje, armonía y violín.
Miércoles 17 | 10h a 12h | Aula Omega-Morente
Clase práctica de conjunto donde se trabajarán y discutirán las técnicas de creación y producción musical, los recursos extraídos del análisis de la música de productores referentes, los fundamentos básicos del jazz aplicados al R&B y los recursos de desarrollo sonoro en el ámbito de la música moderna urbana en general.
Dirigido a todos los músicos interesados en la producción musical y su desarrollo en la música en directo.
Enric Peinado ha estudiado guitarra jazz en ESMUC y el Máster en Interpretación Jazz en el Conservatorium van Amsterdam. También se ha formado en la Temple University de Filadelfia.
A lo largo de su trayectoria ha colaborado en numerosos proyectos nacionales e internacionales, y ha girado y tocado tanto a nivel nacional como internacional con una gran variedad de formaciones y músicos de jazz como Eladio Reinón, Janek Gyizdala, Audun Wage, Gianni Galiardi, Tim Campanella, Anwar Marshall, David Mengual Big Band, Nelson Project, Walk Tall, Edna Sey, Annette B., Sara Pi, Diego Amador, entre muchos otros.
Los últimos diez años de su carrera se ha centrado en la producción musical de diferentes artistas. Además, ha tocado y ha girado internacionalmente con Big Menu, su banda actual, que le ha dado la oportunidad de trabajar con artistas de la música urbana como Nathy Peluso, Dano, Kink, Rels B., Kyne, Foyone, Juli Giuliani, Escandaloso Expósito, XZalon o Ca7riel, entre otros.
Miércoles 17 | 12.30h a 14.30h | Aula Omega-Morente
La masterclass de Joan Terol repasará las herramientas utilizadas para desarrollar la escucha y enriquecer el lenguaje de la interacción cuando se toca en grupo. Así, se tratará el concepto del interplay, aspectos claves de la interacción grupo, factores inesperados y, además, se analizarán fragmentos grabados. Se pedirá la participación activa de los asistentes.
Dirigido a todos los alumnos de las diferentes especialidades.
Joan Terol Amigó es un músico de Reus establecido en Berlín y conectado con las escenas de jazz de Catalunya y de los Países Bajos. Comienza a tocar la batería a los 14 años con el profesor Àngel Hernández en la Escuela de Música Xilòfon de Reus. Más adelante se traslada a Barcelona para estudiar en L’Aula de Música Moderna y Jazz con Quim Solé y, posteriormente, en ESMUC con Jo Krause, Francesc Capella y Joan Monné, donde obtiene el Título en Batería de jazz en 2010. Un año después decide trasladarse a la capital de los Países Bajos para estudiar un máster de interpretación en el Conservatorium van Amsterdam, ciudad donde ha desarrollado gran parte de su carrera profesional como intérprete y docente.A lo largo de su carrera ha grabado más de cincuenta discos y ha tocado en algunos de los clubs y festivales de jazz más importantes de Europa con reconocidos músicos como Benny Golson, Lee Konitz, Jordi Rossy, Jesse Davis, Maria Schneider, Jesse van Ruller, Joe Magnarelli, Grant Stewart, Ben van Gelder, Reinier Baas, Joris Roelofs, Dena DeRose y Carla Cook. Ha sido premiado por la Dutch Jazz Competition, Keep An Eye International Jazz Award, The Records Award, Getxo Jazz Competition, Premios Enderrock y Premios AMJM, entre otros.
Algunos de los proyectos más destacados donde participa son Xavi Torres Trio, Maarten Hogenhuis Trio, The BvR Flamenco Big Band, Pere Bujosa Trio, Néstor Giménez Orchestra, STN! y Els Tres Tenors.
Miércoles 17 | 15.30h a 17.30h | Aula Omega-Morente
En esta sesión se escuchará tocar a diferentes alumnos y, a partir de su nivel, se darán herramientas, metodologías y principios para mejorar el sonido, ritmo y creatividad en diferentes estilos.
Dirigido a músicos de todos los instrumentos de jazz y música moderna.
Albert Bover empieza estudiando piano clásico y, a los 16 años, inicia sus estudios de jazz en L’Aula de Música Moderna en Barcelona, y en Nueva York con Fred Hersch, Kenny Barron, Barry Harris, Sal Mosca y Jackie Byard. Además, amplía sus conocimientos clásicos con Sophia Rosoff y de jazz con Fred Hersch y Ethan Iverson en Nueva York.
A lo largo de su trayectoria, ha trocado con Jorge Rossy, Art Farmer, Harold Land, Kenny Wheeler Ralph Moore, Roy Hargrove, Idris Muhammad, Eddie Marshall, Julian Arguelles, Bruce Barth, Colín Stranahan, R. J. Miller, Susana Santos, Pietro Tonolo, Peter King, Roberto Gatto, Jean Toussaint, Martin Andersen, Joakim Milder y Scott Hamilton; y con músicos nacionales como Perico Sambeat, Jorge Pardo, Chano Domínguez, Javier Colina, Javier Vercher, Albert Sanz, Carme Canela, Laura Simó, Raynald Colom, Juanma Barroso, Toni Vaquer and The Voodoo Children, la Big Band del Liceu y Guillermo McGill.
También ha colaborado en proyectos con músicos de flamenco como Miguel Poveda y Chicuelo, y de música andalusí como Dris elMaloumi. Ha participado en casi todos los festivales de jazz del país y ha actuado por Europa, Estados Unidos, América del Sur, Marruecos y Japón.
Actualmente toca a trío con Masa Kamaguchi al contrabajo y David Xirgu a la batería. También tiene un dúo con Horacio Fumero y otro con Marco Mezquida. Además, toca con el grupo de flamenco-jazz Oleandole.
Como líder ha grabado en formación de trio Live in Bilbao (Moskito Records, 2012), Esmuc blues (Fresh Sound New Talent 117, 2001) Live in Jamboree (Mas i Mas, 2010), con Jorge Rossy, Masa Kamaguchi y Chris Higgins a dúo con Horacio Fumero, Marco Mezquida y Cristina Vilallonga, y a solo piano Old bottle, new wine (Satchmo Jazz Records, 1999) y como sideman también.
Es profesor de piano en el Área de Jazz de la ESMUC y compositor e intérprete en la banda sonora de las películas Tren de sombras y De una isla de José Luís Guerín.
Miércoles 17 | 16.30h a 17.30h | Aula 4
En esta sesión se hará una descripción de la casuística profesional de los músicos a la vez que se informará sobre las principales acciones y ámbitos de influencia en el entorno asociativo sindical y profesional.
Contenidos de la sesión:
Dirigido a todas las personas que se dediquen a la música y tengan interés en conocer el estado del mundo laboral de los artistas así como la acción asociativa sindical.
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La Asociación de Músicos de Jazz y Música Moderna de Catalunya (AMJM) es una entidad cultural, democrática y de carácter sindical creada con el fin de agrupar a los músicos profesionales de jazz y música moderna de Catalunya para conseguir mejoras culturales, sociales y económicas.
Sus objetivos principales son:
Miércoles 17 | 18h a 20h | Aula Omega-Morente
(Actividad virtual)
La masterclass de Guillermo Klein, analizará el panorama de la composición a través de reflexiones sobre la narrativa, el contenido y la forma, y señalará las herramientas prácticas para compartir y ensayar la propia música. Lo ejemplificará a través de ejercicios melódicos, armónicos y rítmicos.
Esta masterclass será impartida de forma virtual. Guillermo Klein nos acompañará en directo desde Suiza.
Dirigido a todas las personas a quienes les guste y les interese componer música.
Guillermo Klein es un argentino residente en Nueva York. Lidera Los Guachos, una banda de once músicos de renombre de la escena neoyorquina que nació a principios de los años 90. Desde entonces ha grabado una decena de discos, el último de los cuales Cristal (Sunnyside Records, 2019) fue considerado uno de los mejores trabajos del año por The New York Times. Además, han girado por los Estados Unidos y Europa, y se presentan regularmente en el Village Vanguard de Nueva York.
A lo largo de su trayectoria, Guillermo Klein ha tocado y colaborado con músicos de renombre de la comunidad del jazz como Wolfang Muthspiel, Rebecca Martin, Miguel Zenon, Seamus Blake, Aaron Goldberg y Joshua Redman. Además, ha sido comisionado por el Lincoln Center en Nueva York, por el MIT Wind Ensemble y por la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, entre otros.
Durante su etapa en Barcelona tocó regularmente en el JazzSí Club con su septeto, que incluía a grandes músicos de la escena como Carme Canela, Jorge Rossy, Gorka Benítez, David Xirgu y Giulia Valle.
Actualmente dirige y escribe música para big bands como la NDR y HR en Alemania, The Orchestra en Dinamarca, OJM en Portugal, Metropole en Holanda y UMO Jazz Orchestra en Finlandia, de la que también es socio artístico.
Como docente imparte clases de composición y arreglos en el Jazz Campus de Basilea (Suiza).
Jueves 18 | 10h a 12h | Aula Omega-Morente
En esta masterclass, el pianista Xavi Torres mostrará diferentes enfoques del arte de tocar en grupo, tanto desde la perspectiva del solista como desde la de los acompañantes. Aprenderás desde la práctica, cómo potenciar el sonido final del grupo con tu aportación.
Se pide la participación activa de los asistentes.
Contenidos:
Dirigido a estudiantes del Taller de Músics ESEM.
El pianista tarraconense Xavi Torres es uno de los músicos más destacados y con más proyección del panorama jazzístico europeo.
Ha vivido en Ámsterdam, donde ha colaborado con grandes músicos de todo el mundo. En esta ciudad estudió el Master de Jazz y la Licenciatura de Clásico en el Conservatorium van Amsterdam, después de graduarse en Piano Jazz en la ESMUC de Barcelona.
Con la formación Xavi Torres Trio ha recibido diversos premios y reconocimientos, como el de Mejor Grupo del año 2015 otorgado por la AMJM, el primer premio del Keep an Eye International Jazz Award, o el primer lugar en la Dutch Jazz Competition 2016.
Jueves 18 | 10.30h a 13.30h | Aula 4
Lluïsa Espigolé, miembro del ensemble CrossingLines acercará el repertorio pianístico de los siglos XX y XXI a los estudiantes de grado superior con el fin de despertar su interés hacia nuevas propuestas estéticas.
Nos ofrecerá un breve recorrido a través del desarrollo y la expansión de las posibilidades sonoras del piano a lo largo de los siglos XX y XXI, que ha conllevado una serie de innovaciones instrumentales y compositivas así como un cambio fundamental del concepto musical y del rol del intérprete. A través del análisis del repertorio solista y de los compositores y artistas sonoros que han contribuido a esta experimentación de forma pionera o significativa, se presentarán técnicas extendidas que hacen un uso mayoritario del teclado y de los pedales, así como aquellas que se ejecutan en el inside piano o con el prepared piano, hasta llegar a las propuestas que combinan el instrumento tradicional con la electrónica y multimedia.
Dirigido a estudiantes de composición y de instrumento, no necesariamente del ámbito clásico. De hecho, puede ser muy interesante para alumnos y profesores del mundo del jazz.
Lluïsa Espigolé (Barcelona 1981), miembro del ensemble CrossingLines, está especializada en el repertorio contemporáneo para piano. Ha sido alumna de Yukiko Sugawara, Nicolas Hodges, Florent Boffard y Florian Hölscher, así como también ha tenido la oportunidad de trabajar con Hermann Kretzschmar, Ueli Wiget y los demás miembros del Ensemble Modern durante la Internationale Ensemble Modern Akademie en Frankfurt. Asimismo, el trabajo conjunto con compositores como Peter Ablinger, Michael Beil, Beat Furrer, Helmut Lachenmann, Berhnard Lang, Marco Stroppa, así como con compositores de su generación han sido decisivos en su formación. Ha sido becada por la Kunststiftung Baden- Württemberg, la Confederación Suiza, la Alexander von Humboldt Stiftung y la Kulturstiftung des Bundes.
Su actividad está centrada en la interpretación y estrenos de música contemporánea como solista, música de cámara, ensembles así como también colaborando en proyectos interdisciplinares y de improvisación libre. Como solista ha promovido y estrenado un gran número de obras de compositores de la escena nacional e internacional y ha realizado asimismo estrenos nacionales de obras de reciente creación.
Paralelamente desarrolla actividades pedagógicas con diferentes universidades y centros musicales en San Sebastián, Madrid y Barcelona. Desde 2011 es profesora de piano contemporáneo y música de cámara en el Conservatorio Superior de Aragón (CSMA).
El ensemble CrossingLines, con sede en Barcelona y formado por reconocidos músicos de música contemporánea, se ha convertido en uno de los principales exponentes de la música de nueva creación con el encargo, la interpretación y la promoción de obras de toda una nueva generación de compositores de la escena nacional e internacional y con más de 40 estrenos absolutos realizados.
El grupo colabora regularmente con el ciclo de noves músicas Sampler Sèries de L’Auditori de Barcelona y ha actuado en algunos de los principales festivales de música contemporánea (Huddersfield Contemporary Music Festival, Eclat Festival Stuttgart, Sounds of Stockholm, Festival Mixtur, MEMMIX, CNDM Madrid, Mostra Sonora Sueca, Cicle VANG de CentroCentro, entre otros). El grupo ha grabado para los sellos Neu Records y Col Legno y ha colaborado con grupos como los Neue Vocalsolisten Stuttgart y el Quartetto Maurice.
Su particular plantilla instrumental, el planteamiento artístico y la exhaustiva preparación de los programas convierten el ensemble en un referente para una nueva generación de creadores. También comprometidos con la divulgación de la nueva música, CrossingLines realiza propuestas didácticas en torno a sus programas que acercan su trabajo a todo tipo de público.
CrossingLines ha contado con el apoyo y el reconocimiento institucional del Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC) y fuer el primer grupo de música contemporánea que recibió las ayudas de la línea de subvenciones para actividades de las orquestas prioritarias, el apoyo más importante que las instituciones catalanas otorgan a una formación musical. Además, ha recibido el apoyo del Instituto de la Joventud (INJUVE) y de la prestigiosa Fundación Ernst von Siemens. CrossingLines ha sido grupo residente en la Fábrica de Creación Fabra i Coats y actualmente lo es en la Fundació Phonos, en Barcelona.
Jueves 18 | 12.30h a 14.30h | Aula Omega-Morente
En esta sesión, Ben Van Gelder profundizará en algunas herramientas que pueden ser muy útiles a la hora de improvisar y componer. Los temas incluirán la escucha analítica y una discusión de varios parámetros musicales.
Dirigido a músicos de todos los niveles e instrumentos.
Ben van Gelder (1988) es considerado internacionalmente como una autoridad en el saxo alto. Compañeros y críticos lo elogian por su sonido único, su lirismo y su personal enfoque de la composición. Su música está fuertemente enraizada en el jazz pero abraza muchos otros géneros y disciplinas. En particular, el arte visual juega un papel destacado en su práctica musical y, a menudo, sirve como marco para su escritura.
Van Gelder se muda a Nueva York con diecisiete años y pasa una década colaborando y estudiando con algunos de los artistas más vanguardistas del mundo. Entre sus profesores destacan Guillermo Klein, Jason Moran y Lee Konitz.
También lidera su quinteto, formado por figuras como Sam Harris, Craig Weinrib, Rick Rosato y Peter Schlamb, y con el que graba tres álbumes. La banda realiza extensas giras por Europa, Japón y Estados Unidos.
Durante su estancia en Nueva York, Van Gelder establece fuertes lazos con la Jazz Gallery, un lugar que fomenta la excelencia artística y que es conocido como un trampolín para el talento. Actuaciones regulares le permiten experimentar con diferentes grupos y repertorios a lo largo de los años, lo que le lleva a tocar y grabar con muchas estrellas del jazz contemporáneo, incluyendo a David Binney, Mark Turner, Ambrose Akinmusire y Ben Street. Van Gelder recibe un encargo muy deseado de la Jazz Gallery, que se materializa en Among Verticals, un disco inspirado en una pintura del artista abstracto Frantisek Kupka y que obtiene elogios en publicaciones de todo el mundo. Su música es arreglada e interpretada por algunas grandes formaciones como la Metropole Orchestra (ganadora de un premio Grammy), The Swiss Jazz Orchestra y la Jazz Orchestra of the Concertgebouw.
Van Gelder recibe varios premios como el Deloitte Jazz Award, otorgado por el National Endowment for Advancement in the Arts, y el Prinses Christina Concours a dúo con su hermano Gideon. Recientemente, el BIMHUIS de Ámsterdam le hace su primer encargo como compositor. Además de liderar su propio cuarteto, Van Gelder actúa con frecuencia junto al guitarrista Reinier Baas, con quien ha publicado dos trabajos: Smash Hits (una grabación en directo de su concierto con la Metropole Orkest) y Mokum in Hi-Fi. Ben reside actualmente en Holanda y es profesor del Conservatorio de Ámsterdam
“Control y precisión asombrosos pero nunca premeditados”. – Volkskrant
“Simplemente estimulante, emocionante y colorido”. – Ottawa Citizen
Jueves 18 | 15.30h a 17.30h | Aula Omega-Morente
En esta masterclass David Domínguez nos explicará la evolución de la percusión en el flamenco y nos dará recursos e ideas para entender la rítmica flamenca y las claves para acompañarla.
Para el desarrollo de la clase contará con el guitarrista Marc López.
David Domínguez (Barcelona 1980), percusionista, se inicia en la percusión flamenca en la adolescencia y de forma autodidacta.
Ha acompañado a numerosos artistas flamencos como Duquende, Montse Cortés, David de Jacoba, Rafael de Utrera, Ginesa Ortega, Antonio Canales, Arcángel, Olga Pericet, Marco Flores, Alfonso Losa, José Maldonado, Juan José Suárez «El Pakete», Chicuelo, Juan Ramón Caro, entre muchos otros.
Su inquietud musical y su constante búsqueda de nuevas sonoridades le ha llevado a participar en proyectos de diversos estilos musicales alejados del flamenco (jazz fusión, música clásica, música mediterránea, tradicional, etc…), donde ha colaborado con las Hermanas Labèque, Joan Albert Amargós, Enric Palomar, Perico Sambeat, Marc Miralta, Javier Colina, Marco Mezquida, Joan Díaz, Lluís Vidal, Carles Denia, Coetus, Antonio Lizana, Jordi Molina, HR Big Band de Frankfurt, la Aahrus Jazz Orchestra, UMO Jazz Orchestra de Helsinki, Brussels Jazz Orchestra, entre muchos otros.
Los proyectos activos en los que participa actualmente son: los espectáculos Déjà vu, Boleros y Al cantar a Manuel de Mayte Martín. También la grabación y giras de Cuatro (Las Migas), Mi esencia (Rycardo Moreno), Cant Espiritual (Carles Denia), Federico García (Pep Tosar) y El Bestiari (Joan Díaz).
También participa en el proyecto educativo Flamenkat, producido por el Palau de la Música Catalana, como músico y director musical.
Jueves 18 | 17h a 19h | Aula 4
En este workshop Pedro Pina mostrará las diferentes posibilidades que ofrece el software Ableton Live para componer, grabar y producir canciones propias. Se tratarán diversos temas, como qué posibilidades hay para trabajar con clips, técnicas de grabación de múltiples tomas, edición sobre pistas grabadas o técnicas de producción como el uso de efectos, automatizaciones y mezclas.
Dirigido a artistas que quieran introducirse en el mundo de la grabación y la producción para sus propias composiciones.
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Pedro Pina es especialista de producto en Custoff Pro Audio, una empresa barcelonesa de referencia para todo lo relacionado con la tecnología musical. Nació en el año 2005 y ha escrito artículos de producción y sonido para músicos y DJ tanto profesionales como aficionados.
Jueves 18 | 18h a 19h | Aula Omega-Morente
La tecnología ha cambiado nuestra forma de escuchar música a la vez que ha transformado la manera en que se crea la música. Cada época ofrece un resultado estético diferente que se ve condicionado por las sonoridades que prevalecen y por el tipo de tecnología que existe o está de moda en el momento.
El flamenco sigue vivo y continúa siendo un hijo de su tiempo, y quizás las nuevas generaciones buscan identificarse con aquellas músicas que representan su realidad sin renunciar a la raíz de su cultura. Quizás sucedió lo mismo en el momento en que cristalizó el estilo que ahora identificamos como flamenco y que a mediados del s. XIX sonaba tan original.
Aún es difícil de analizar y sintetizar todo lo que envuelve al subgénero musical que se está dando en el flamenco durante los últimos años. En esta conferencia, Cristina López nos acercará a este nuevo estilo al que podríamos llamar flamenco urbano (entre otras etiquetas), ya que utiliza recursos y tecnología musical propias de distintos géneros urbanos, aproximándose así a la estética de la música urbana actual como es el trap, el hip hop o la electrónica. Veremos qué tipo de tecnología se está integrando y cómo se está utilizando para dar lugar a un estilo que, por la propia idiosincrasia del flamenco, es muy particular.
Nacida en Tarragona, desde muy temprana edad se interesa por la música y recibe clases de piano y de solfeo, aunque será el cante flamenco la especialidad que desarrolle hasta profesionalizarse.
Trabaja habitualmente con compañías de flamenco tradicional tanto dentro como fuera del estado, así como en tablaos flamencos como Tarantos (Barcelona), Palacio del Flamenco (Barcelona), Casa Camarón (Barcelona), El Quinqué (Málaga) o la Cava del Ars (Menorca), entre otros. También es una artista habitual en proyectos interdisciplinares como ‘El ojo partido’, ciclo dirigido por Pedro G. Romero en colaboración con El Dorado Sociedad Flamenca Barcelonesa en el que se experimenta con el flamenco, la música electrónica y la performance. Ha actuado en festivales como Getxo Folk Bilbao, Mercat de Música Viva de Vic, Folkez Blai Ermua, CubaCultura (Huelva), Festival de Torroella de Montgrí, Fira Mediterrània de Manresa, ¡Trovam!, Paupaterres, Etnomusic, Arte Reunido (Zúrich), Open Cultural Center (Grecia), De la Raíz (Zaragoza) o Vermut Jazz a l’Auditori, entre otros.
Ha trabajado como investigadora en Music Technology Group (MTG, Universidad Pompeu Fabra) en proyectos relacionados con el flamenco y que combinan la música con las nuevas tecnologías. Recientemente ha creado un grupo de investigación sobre la técnica vocal en el flamenco acompañada y apoyada por Cori Casanovas, una de las mejores foniatras del país y conocedora desde hace años de la realidad de los cantaores flamencos, donde participan también el departamento MTG de la Pompeu Fabra además de dos CMTs de Voice Craft.
Como docente, en 2018 participa en los cursos de Introducción al flamenco de la escuela Freqüències de Vilanova i la Geltrú (historia, cante, palos, compás). Entre el 2016 i 2018 imparte clases de cante flamenco en el centro especializado en flamenco Centre Cívic Besós. También colabora con el Institut del Teatre en los estudios de flamenco y danza española.
Actualmente es profesora en el Grado Superior de la ESMUC y forma parte de diferentes proyectos musicales como cantante, cantaora, compositora y directora musical, entre los que destacan Entre Orillas (flamenco y música cubana) y LaboratoriA (flamenco experimental).
Viernes 19 | 9.30h a 14h | Aula Omega-Morente
Igual que la musculatura de la espalda es la principal encargada de lidiar con la gravedad, la faringe es la encargada de sostener el gesto vocal. A partir de ahí y con esa estabilidad, hacer pequeños cambios y sutilezas en la voz al cantar es mucho más fácil. Además, como la faringe está conectada al resto del sistema vocal, su uso facilitará sustancialmente el patrón vibratorio de las cuerdas vocales consiguiendo un sonido más timbrado y pleno. Finalmente, aliviará las tensiones que nos limitan en las partes de la articulación que estaban intentando estabilizarnos.
A lo largo de este workshop, podremos experimentar y comprender esta jerarquía funcional desde un punto de vista kinestésico (mediante lecciones de Aprendizaje Experiencial). El hecho de aprender estas relaciones funcionales mediante el Aprendizaje Experiencial permitirá que nuestros sistemas puedan entender e integrar esta información a una velocidad pasmosa, mucho más rápido que con cualquier clase teórica. Para ello se llevarán a cabo 3 lecciones que nos permitirán sentir la acción de la faringe como estabilizadora del gesto vocal (estabilidad y proyección), su relación con las cuerdas vocales (soltura y riqueza armónica) y su factor liberador de los flexores (libertad de mandíbula y lengua).
Dirigido a todo aquel que trabaje con su voz, ya sea hablada o cantada (aunque la dinámica estará relacionada con el canto de una forma directa, es aplicable a la voz hablada).
Javi Prieto es cantante, vocal coach y profesor de voz con formación específica en patología vocal y rehabilitación/reeducación de la voz.
También se ha formado en aprendizaje experiencial y motor, ciencia vocal, canto y música y posee un Master en Rehabilitación de la Voz por la Escola de Patologia del Llenguatge del Hospital de Sant Pau de Barcelona.
Se dedica principalmente al trabajo con profesionales de la voz que desean mejorar el funcionamiento y eficiencia de su voz ya sea con fines estéticos (cantantes, locutores y dobladores, principalmente) como funcionales (profesores, entrenadores, telefonistas, etc).
La mayoría de sus clientes son cantantes de géneros muy variados, principalmente teatro musical, pop/rock y ópera.
Ha dado clases de forma presencial en Barcelona, Madrid, Bilbao, San Sebastián, Santiago, Málaga, Zaragoza y parte de Francia, pero también realiza formaciones de forma online, llegando a diversos países europeos y a Norte América.
Ha sido profesor del Master de Rehabilitación de la Voz de la Escola de Patologia del Llenguatge del Hospital de Sant Pau, y también el creador, organizador, coordinador y profesor en la primera edición del Master Internacional en Vocal Coaching.
Actualmente está realizando la Formación Acreditada para la Certificación en el Método Feldenkrais® de Aprendizaje Somático en Seattle, EEUU.
Viernes 19 | 11h a 13.30h | Aula 4
Con más de 30 años de trayectoria profesional y más de veinticinco discos como líder, Perico Sambeat es el saxofonista español de mayor proyección internacional. Destacan sus trabajos con grandes figuras como Brad Mehldau, Kurt Rosenwinkel, Tete Montoliu, Michael Brecker, Pat Metheny, Dave Douglas o Enrique Morente, entre muchos otros.
Desde el mes de septiembre de 2020 lidera un proyecto creativo y pedagógico con ocho jóvenes músicos del Taller de Músics ESEM. Bajo el nombre de Taller de Músics Ensemble & Perico Sambeat, este grupo experimental ha creado un espectáculo de jazz contemporáneo con temas del mismo Perico, pero también con composiciones y arreglos de los componentes del ensemble.
Perico ha trabajado con los jóvenes siendo muy escrupuloso en todos los aspectos “como si fuera mi propio grupo, todo tiene que sonar perfecto y con groove”, comenta. Así, en el escenario encontraremos un ambiente de comunión y experimentación conjunta, una propuesta llena de talento y energía.
Perico Sambeat | saxo
Alba Morena | voz
Héctor Cervera | trompeta
Pere Alcón | trombón
Marta Durán | saxo tenor
Álvaro Imperial | guitarra eléctrica
Llorenç Colomar | piano
Héctor Tejedo | contrabajo
Roger Calduch | batería
Viernes 19 | 12h a 14h | Aula 3
En el marco de esta masterclass, Judit Llimós explicará cómo se debe programar a un artista desde el punto de vista de la rentabilidad. Qué gastos comporta. Cuántas entradas hay que vender para cubrir estos gastos. Cuál es el break even o punto de equilibrio entre ingresos y costes. Cuándo empezamos a tener ganancias. Estas y otras preguntas encontrarán respuesta de la mano de Judit Llimós.
Dirigido a cualquier persona que desee adquirir conocimientos sobre la programación de espectáculos.
Judit Llimós ejerce como directora artística del Guitar BCN, festival de referencia en la ciudad condal. Se inició en este negocio de la mano de Fila7, gestionando el management del grupo vocal cubano Gema 4, con las que estuvo de gira durante tres años. Más tarde, su carrera hizo un giro hacia el ámbito del jazz, asumiendo la programación de los clubes más emblemáticos de Barcelona durante 7 años, Jamboree y La Cova del Drac /Jazzroom.
En 2007 pasó a dirigir el Departamento de Músicas Modernas del Auditori de Barcelona, y del 2011 hasta la actualidad, en la empresa The Project, es responsable de la programación artística del Guitar BCN, tarea que combina con el booking de varios artistas de la misma compañía, como Els Amics de les Arts, El Kanka o Rozalén.
Viernes 19 | 16h a 20h | Aula Omega-Morente
Cuando nos formamos como cantantes, ponemos mucho énfasis en el conocimiento musical, en la técnica vocal, en el estilo del repertorio… Pero, ¿qué pasa cuando subimos al escenario? ¿Sabemos qué hacer del cuerpo? ¿Los nervios amenazan todo lo que habíamos ensayado? ¿Estamos tan pendientes del resultado que nos olvidamos del placer de cantar?
En este taller reconectaremos con nuestro cuerpo de cantantes. Desde este cuerpo la voz sale fácil, honesta, libre. Y la experiencia escénica se produce de forma mágica.
De la mano de Mariona Castillo, aprenderemos herramientas de respiración-movimiento que nos harán conectar con el estado de nuestro cuerpo en el momento presente. Predispondremos el cuerpo a la facilidad y al juego (para estar más en la creatividad y menos en el ruido mental). Veremos cuál es nuestro patrón de cierres físicos que obstaculiza la salida fácil de la voz. Aprenderemos a abrir estos cierres y nos dejaremos sorprender por todo lo que permanecía escondido detrás.
IMPORTANTE: Los participantes deberán llevar ropa muy cómoda (tipo de danza o de deporte) y calcetines gruesos.
Dirigido a estudiantes de canto que quieran ampliar su potencial vocal (técnico, expresivo, interpretativo…) dejando atrás autoexigencias y rigideces que no suman.
Mariona Castillo se dedica profesionalmente a las artes escénicas como cantante, especialmente en contextos de teatro musical, desde hace más de 20 años. Ha protagonizado musicales de gran formato como Mamma Mia! o musicales de creación como Limbo, y ha estado nominada siete veces a mejor actriz de teatro musical por diferentes espectáculos.
Es Diplomada en Performing Arts Music en la Universidad de Paul McCartney, LIPA, con mención de honor. También es profesora titulada en Estill Voice Training System (Voice Craft).
En los últimos años, a través del estudio de diferentes prácticas y técnicas (yoga, danza creativa, consciencia corporal, reiki, Método Grinberg…), y sobre todo por autoinvestigación, ha desarrollado una forma de trabajar con cantantes y otros intérpretes escénicos que permite liberar la voz a través del cuerpo (Cuerpo libre – Voz libre) y que ha compartido en diferentes Universidades y escuelas profesionales (Esart, Eòlia, Aules, Taller de Músics…), así como en talleres en diferentes escuelas y sesiones regulares en su estudio.
Viernes 19 | 16h a 19h | Aula 3
(Actividad virtual)
¿Cómo podemos convertir la clase virtual en una oportunidad? En este workshop exploraremos las posibilidades didácticas del formato no presencial con el objetivo de dotar de herramientas al profesorado para programar y desarrollar clases de música en streaming que sean dinámicas, motivadoras y de calidad.
Toda la sesión se desarrollará a partir de juegos y dinámicas en las cuales iremos viendo ejemplos de cómo se usan los recursos digitales. Programaremos y desarrollaremos propuestas didácticas de música y movimiento a partir del uso de los recursos existentes: cámaras y micrófonos, pizarras virtuales, fondos virtuales, efecto croma, salas para grupos…
Dirigido a estudiantes de la especialidad de Pedagogía, pero también a todo aquel que quiera explorar las posibilidades de la formación a distancia.
Xavi Rocamora se define como una persona activa y creativa a quien le gusta emprender, impulsar y compartir. Entiende la educación musical como una herramienta de transformación social, y trabaja usando el lenguaje artístico como una herramienta de autoconocimiento y crecimiento personal que cree que tiene que ser accesible a todo el mundo.
Es graduado en Magisterio con especialización en Educación Musical por la Universitat Autònoma de Barcelona y la Universidad de Granada y especializado en Orff-Schulwerk por el San Francisco International Orff Course. Es fundador y coordinador pedagógico del proyecto de percusión escolar La Batuescola, y participa también en varios proyectos de interdisciplinariedad artística. Es miembro de Orff Cataluña.
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